Revue critique de la publication La critique d’art à l’écran, Les arts plastiques, sous la dir. de Sylvain Dreyer et Dominique Vaugeois, coll. Arts du spectacle, Images et sons, Septentrion, 2018.
A supposer qu’il existe bien une critique d’art à l’écran, c’est à dire, si l’on comprend bien, une manière spécifique d’offrir une lecture, une appréciation et un jugement par le biais des moyens propres au cinéma, il faudrait pour nous en convaincre s’intéresser ne serait-ce qu’un peu à la critique d’art écrite et faire un choix de films qui appuie ce propos. L’étude des échanges entre cinéma et peinture ou celle de la présence du cinéma au musée ont produit une littérature plus qu’abondante depuis une bonne vingtaine d’années et sont devenues déjà une sorte de poncif des études sur l’art et les questions de transversalité. Ce qui frappe en premier lieu à la lecture des différentes contributions, c’est leur déconnexion de l’actualité de l’art comme de celle du cinéma, et davantage encore de l’actualité du film sur l’art, que celui-ci soit critique ou non. Retrouver ici des commentaires sur Le Mystère Picasso ou sur les films que Namuth a consacrés à Pollock ne témoigne pas d’une grande largeur de vue. Ces documents auront bien servi l’image que la croyance populaire se fait du génie artistique virtuose ou possédé. Consacrer des présentations au Munch de Watkins, à La Ricotta de Pasolini, ou Une Visite au Louvre de Straub et Huillet, sur lesquels il a déjà été beaucoup écrit, amènent à se demander à qui ces communications sont adressées. D’autant que les lectures proposées sont plutôt originales.
Edward Munch, La Danse de la Vie, produit par la télévision norvégienne et refusé par elle pour non conformité avec ses objectifs, est présenté sous l’angle d’une rivalité cinéma-peinture en s’appuyant sur une grille d’équivalences que l’on pourrait dire hallucinée. Pour ne donner qu’un exemple, la frontalité et le regard caméra donnés comme transposition de la peinture de Munch, quand il est clair que Watkins emprunte clairement aux codes de l’enquête télévisée. Dans La Ricotta, Pasolini pasticherait La Déposition de Pontormo, sans que l’on puisse comprendre comment le pastiche d’un tableau peut se faire autrement qu’en peinture, même si on se dit qu’un certain hommage de Bill Viola à Pontormo approche peut-être de cette notion. Enfin La Visite au Louvre, commentée par deux des intervenants, l’un ayant compris qu’il s’agissait avant tout de faire entendre la parole (supposée) de Cézanne, l’autre s’étant on ne sait comment convaincu que le fait de filmer les tableaux du Louvre en laissant apparaître un peu du mur blanc sur lesquels ils sont accrochés était une manière de point de vue critique sur le musée. Les Straub sont un peu rigides, c’est entendu, mais ils ne sont pas bêtes et s’ils ont si bien bridé leurs chefs-opérateurs en cette occasion, c’est que pour eux il n’y a pas deux façons de filmer un tableau.
Ces films là nous font penser que, comme souvent, le grand absent est Godard dont, au lieu de citer à chaque fois la visite au Louvre de Bande à Part, on pourrait rappeler les tableaux vivants de Passion (dont L’Entrée des Croisés à Constantinople, dont nous parle Cézanne), mais aussi parce qu’il est le plus peintre des grands cinéastes, notamment à travers son travail sur l’image numérique. Enfin, si Godard ne regarde pas l’art contemporain (The Old Place, le film commandité par le MoMA, dit assez le mépris dans lequel il le tient), les artistes contemporains ont regardé Godard, non seulement dans leur façon de pratiquer l’essai cinématographique, mais aussi parce que les tentatives de démontage et d’éclatement du « format exposition » dont parlent Huyghe et Parreno (sujet de l’une des interventions) doivent quelque chose au maître de Rolle.
Afin de ne pas être exagérément sévère, je me retiens de dire ce que je pense du fait de donner autant d’importance (commentaire plus cahier d’images en couleurs) au biopic qu’Eddie Harris a consacré à Pollock. A l’heure où l’entretien filmé avec l’artiste et le reportage autour de son exposition tendent à devenir des outils pédagogiques courants au musée, où l’on trouve dans les boutiques desdits musées un nombre conséquents de DVD monographiques consacrés à des artistes, et où certains portraits d’artistes bénéficient d’une sortie en salle (Il y a bien une intervention de l’auteure d’un film sur Michel Parmentier au travail, mais comme un témoignage des intentions de l’artiste), il n’est pas exagéré de dire que ce livre passe à côté de ce qu’il annonce et plus généralement des enjeux du contemporain.
Auteurs contributeurs à la publication: Lambert Barthélémy, Auriane Bel, Bernard Bloch, Pascale Borrel, Marie-Laure Delaporte, Sylvain Dreyer, Caroline Finez, Agnès Foiret, Fabien Gris, Vanessa Loubet-Poëtte, Sarah Pialeprat, Emmanuel Plasseraud, Pascale Raynaud, Fatima Seddaoui, Cécile Sorin, Eric Thouvenel, Dominique Vaugeois, Isabelle de Visscher-Lemaître et Bernard VouillouxPatrick Javault (1960) est critique d’art et commissaire d’exposition indépendant (Lettres, Sorbonne Paris IV). Il a longtemps été conservateur au Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg où il a été responsable de la programmation de l’auditorium qui devient un lieu de références pour le cinéma expérimental et documentaire ainsi que pour la musique expérimentale.
Témoignage 3. Mobilité et diffusion du film sur l’art au regard de l’association SensoProjekt Texte écrit en 2015 et publié dans La critique d’art à l’écran. Les arts plastiques par Sylvain Dreier et Dominique Vaugeois, Presses Universitaires du Septentrion, 2018. Pour plus d’information : http://www.septentrion.com/fr/livre/?GCOI=27574100868960 Ce que nous allons aborder dans cet article porte sur l’approche que l’association SensoProjekt a du film sur l’art et la manière dont elle le véhicule. Pour commencer, et afin d’informer notre lecteur, SensoProjekt organise depuis six ans, une projection mensuelle de ce type de documentaires à la Maison des Ensembles (Paris 12e) les derniers vendredis du mois, à raison de huit fois sur l’année environ. Ces soirées se déroulent systématiquement en présence du/de la réalisateur.trice, et parfois de l’artiste dont parle le film, afin de favoriser les questions ou les réactions du public et de permettre un échange auquel nous accordons une importance majeure, afin que s’établisse une relation entre les personnes au sujet du film et de l’art. Considérant le « film sur l’art », nous ne pensons pas à autre chose qu’à un programme filmique qui constitue une forme de critique d’art à part entière. C’est en tout cas le point de vue adopté par l’association SensoProjekt dont le projet vise à « promouvoir et diffuser le film sur l’art ». Notre association s’emploie en effet pour l’essentiel à ce jour, à projeter du documentaire sur l’art contemporain, de quelque style que soit le film, désormais en divers lieux et pour tout public. Et ce, pourvu que soient donnés à voir un regard particulier sur l’œuvre d’art, des interprétations éclairées, une note, une narration, des archives, un compte rendu que nous considérerons éclairant dès lors qu’il sera « subjectif » ou « subjectivé ». Par ce biais, l’apport d’information que nous souhaitons à la fois juste et étoffée, mais qui peut néanmoins s’avérer incomplète, voire sujette à l’erreur, ainsi que la perception sensible et intelligente rendue par l’image cinématographique, accordent au film sur l’art la valeur de critique de l’art qui alimente ensuite, dans une certaine mesure, l’histoire de l’art toujours en cours d’élaboration. Nous avons de nombreux exemples de réalisations filmiques qui ont agi en ce sens, le film Jackson Pollock (1951, 10 min) que Hans Namuth tourne à l’atelier du peintre américain en étant le plus fameux. Ceci étant, tous les documentaires sur l’art n’acquièrent pas cette qualité critique ou cette capacité de « décryptage », plus que de « jugement ». Le plus souvent, ils ne l’intègrent que partiellement. Il y a beaucoup de productions filmiques sur l’art qui sont la simple trace lénifiante d’une œuvre, l’exclusive mémoire d’une exposition particulière, ou la succession d’images réductionnistes qui ne soulèvent aucun questionnement. Que l’auteur du film soit réalisateur, artiste ou vidéaste amateur s’étant rapproché d’une œuvre d’art spécifique au gré des circonstances, cela ne fait pas la différence. Que l’artiste sur lequel porte le documentaire soit célèbre ou peu connu, non plus. Que le film ait adopté un angle biographique, une forme emphatique ou processuelle, qu’il relève du cinéma expérimental ou d’un travail cinématographique professionnel, rien de tout cela ne nous donne de garantie sur la qualité critique recherchée. Même le film d’auteur, prometteur d’un intérêt certain, n’assure pas toujours un résultat critique probant. C’est seulement quand la ou les personne(s) aux commandes du film s’activent avec un désir « qui les tient » autour de l’œuvre d’art qu’elles tentent de dévoiler, que nous pouvons nous attendre à un déroulement en image, son, lumière et montage qui donne à voir la création dans sa vérité soudaine et manifeste. Pour en venir à la diffusion de cet « appareil critique », SensoProjekt part de l’idée qu’il est un principe relatif au film sur l’art qui est sa mobilité, que nous pouvons aussi qualifier de fluidité. Deux facteurs sont ici à prendre en compte. D’abord et a priori, le film sur l’art n’est pas une œuvre d’art en soi. Même s’il noue occasionnellement avec elle et qu’il peut présenter une certaine porosité en ce sens, c’est avant tout une production à qualité heuristique et à valeur d’archive à laquelle nous avons à faire. En d’autres termes, le film sur l’art ne présente pas de caractère précieux, ni de valeur sacrée ou d’aura qui impose un cadre singulier à son rayonnement. Bien sûr, nous aimerons que les conditions de projection soient optimales, que l’image et le son soient de très bonne qualité et que la salle soit confortable. Néanmoins, en son principe même, il dispose d’une souplesse privilégiée de monstration tout à la faveur de son rôle « transmetteur ». Ensuite, et comme toute l’industrie du cinéma, il bénéficie d’un nouvel apport technologique, à savoir le numérique avec le support DVD ou le disque dur, qui allègent immensément sa diffusion. Cela ne lui est pas propre. Tout film aujourd’hui, qu’il s’agisse d’un blockbuster hollywoodien ou d’un film confidentiel, peut être montré n’importe où et n’importe quand pourvu que l’on dispose d’une copie numérique. Mais précisément, cette faculté vaut pour le film sur l’art également, qui profite de toute évidence d’une circulation plus dynamique ces derniers temps. La fréquence plus soutenue de sa projection engage sa valorisation en tant que trace et source de savoir à propos d’une œuvre d’art dont l’énigme, parfois l’hermétisme, suscite l’incompréhension. Plutôt que de voir le film sur l’art très vite remisé dans un tiroir ou même perdu, et ce n’est pas rare, à force d’être montré, il acquiert une légitimité. À terme, cela aidera à ce qu’il soit correctement répertorié et conservé. Notons que cet apport du numérique rend aussi le coût de production moindre. Chacun.e peut tourner un film sur l’art seul.e au moyen d’une caméra digitale ou même d’un téléphone portable. À la mobilité physique du support s’ajoute une facilité de réalisation ainsi qu’une légèreté matérielle et de budget qui ont un impact : on tourne davantage de films sur l’art depuis dix ou quinze ans, on assiste à davantage de manifestations autour du film sur l’art ou à une présence plus soutenue de celui-ci dans les musées, les festivals qui ne lui sont pas nécessairement dédiés, les centres d’art ou centres culturels et à la TV comme sur le Net. La masse de films sur l’art allant croissant, son importance à différents échelons du dispositif culturel lui ferait-elle retrouver la vigueur qu’il a connue à sa grande époque lors de l’après Seconde guerre mondiale ? En tout cas, même s’il se peut que le film sur l’art change de nature par rapport à cette époque, il semble bien en ce moment regagner en bouillonnement. Que le film sur l’art soit donc un outil de diffusion et de « mobilité » culturelle, c’est ce dont SensoProjekt veut se faire le moteur. Le plus bel exemple que l’association ait réalisé en ce sens porte sur la série des « 9 Evenings : Theatre and Engineering », ensemble de dix films couvrant un ensemble de dix performances qui se sont produites à New York en 1966. Le caractère extraordinaire de ces événements repose entre autres sur leur principe visionnaire d’établir une collaboration, voire une corrélation, entre artistes plasticiens ou artistes de la scène et les nouvelles technologies. Celles-ci émanaient des laboratoires Bell Telephone, sous la conduite de Billy Klüver, à l’origine de ces initiatives, et fondateur de l’association Experiments in Art and Technology (E.A.T.) qui donnera lieu à de nombreux autres programmes artistiques de ce type. Prirent part aux « 9 evenings », Yvonne Rainer, Alex Hay, Öyvind Fahlström, Robert Rauschenberg, Lucinda Childs, Steve Paxton, Deborah Hay, David Tudor, John Cage et Robert Whitman. Les performances qui duraient entre 20 min. et 50 min. et qui attirèrent quelque 10 000 spectateurs, furent partiellement filmées, attisèrent l’intérêt des médias un moment, puis tombèrent dans l’oubli. C’est en 1995 que sont redécouvertes les bobines de film les relatant. Un long travail de restauration est alors entrepris, et la mission de donner forme à un montage documentaire est confiée à Barbro Schultz Lundestam. Réalisatrice de ces dix remarquables films sur l’art, celle-ci reprend à la fois les images d’archives et y joint un supplément de tournage avec les artistes et témoins de l’époque, essentiel à la bonne compréhension des performances permettant de refléter leur fécondité créative. Les originaux de ces bandes sont aujourd’hui conservés à la Fondation Langlois à Montréal et les documents préparatoires comme les manuscrits et les photos font partie des archives du Getty Research Institute à Los Angeles. Les films ont été présentés dans les festivals comme dans les musées du monde entier, et les droits quant à ces films sur l’art ont été achetés par de nombreuses institutions allant du Musée national Reina Sophia à Madrid au Moderna Museet à Stockholm, du Museum der Moderne à Salzburg au Centre Pompidou à Paris. SensoProjekt a pour sa part projeté plusieurs de ces films dans pas moins de cinq lieux. C’est un cas exemplaire parmi les démarches entreprises par notre jeune association sans grands moyens, et qui donnera une petite idée de la diversité de nos démarches. Au départ, SensoProjekt a commencé ses activités en tablant sur deux initiatives, celle de projeter régulièrement un film sur l’art par mois dans un centre culturel à Paris (La maison des Ensembles, ci-dessus mentionnée), et celle de lancer un site présentant information, textes et extraits de films. C’est donc sous ces deux « formes » que SensoProjekt a initialement diffusé les « 9 Evenings » ou certains films de la série. En novembre 2010, un article original sur ces performances et des extraits des performances de David Tudor et d’Öyvind Fahlström sont postés sur notre site www.sensoprojekt.com. Ils y sont toujours visibles dans la rubrique : projections. En février 2011, nous projetions en entier le documentaire portant sur la performance d’Öyvind Fahlström intitulée Kisses Sweeter Than Wine, et ce en présence de la réalisatrice Barbro Schultz Lundestam. Ensuite, dans le contexte d’une exposition, nous avons eu l’opportunité de montrer un autre des films de la série. C’était à Bruxelles, à l’espace de l’ERG (École Recherche Graphique) où se tenait l’exposition « Pas de rapport – Morceaux choisis » (2011) incluant Leonor Antunes, Marcel Berlanger, Suzanne Duchamp, Yaël Kanarek, Michael Snow, Walter Swennen, pour en citer quelques-un(e)s. À cette occasion, le film Open Score relatant la performance de Robert Rauschenberg est diffusé sur moniteur dans l’exposition. Dans la foulée, l’École d’art nous tend la perche pour lui proposer un programme de films sur l’art à présenter lors d’un workshop. Nous associons différents extraits des « 9 Evenings » à d’autres films sur l’art dont l’excellent documentaire historique Painters Painting d’Emile de Antonio et cet autre très beau film Schwitttrace, réalisé par l’artiste Isabelle Vorle sur les traces de Kurt Schwitters. Dans ce contexte, nous avons introduit les étudiants à un rapide historique du film sur l’art, et leur diversité. Enfin, c’est au Musée de la Musique à Paris que nous avons eu la chance de présenter Variations VII, performance de John Cage issue des « 9 Evenings ». Cette fois, le film s’inscrivait dans le contexte d’un forum à l’occasion du 100e anniversaire de la naissance de John Cage. Et nous lui avions associé la projection du film réalisé par l’artiste Manon De Boer, 4’33’’, qui rend compte sous une nouvelle forme de la célèbre pièce silencieuse du compositeur américain. Dans ce contexte, SensoProjekt partageait ces films avec un nouveau public, ainsi qu’avec des invités du Musée de la Musique et de nombreux musiciens. Puisqu’en 2016, les « 9 Evenings » fêteront leur 50e anniversaire, nous espérons pouvoir en projeter une nouvelle partie dans un autre lieu. Car entre-temps, SensoProjekt a développé des collaborations avec le MACVAL, Musée d’art contemporain du Val-de-Marne (Vitry) et le Centre d’art contemporain La Traverse (Alfortville). Ayant précédemment participé à la Nuit Blanche « off » en 2011, notre association a aussi reçu une carte blanche de la Galerie rouge (Paris) pour une programmation spécifique lors de la COP21. Enfin, elle a lancé ses premières « Rencontres autour du film sur l’art » en collaboration avec le Centre Wallonie Bruxelles en 2016. D’un contexte à l’autre, la réceptivité de ces films sur l’art varie. Ce qui est certain, c’est que leur « mobilité » produit des effets, stimule l’intérêt, agite les esprits, crée de nouvelles envies comme elle produit des ouvertures. Et nous le pensons bien, à force d’expérience, l’éveil au langage artistique se sédimente en chacun(e) ! Je suis un bloc de texte, cliquez sur le bouton \ »éditer\ » pour me modifier. Puis, la sage-femme non invitée rentre dans la salle et jette une malédiction mortelle à la Belle au Bois Dormant, mais une sage-femme qui n’avait pas fait son vœu adoucit la malédiction et dit : « Ce n’est pas dans la mort que la princesse tombera, mais dans un profond sommeil de 100 ans. » Après 100 ans, un prince va la réveiller en lui faisant un baiser Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Ut elit tellus, luctus nec ullamcorper mattis, pulvinar dapibus leo.
Conservatoire Paul Dukas, Paris 12 – Lundi 14 mai à 19h
Merce Cunningham, la danse en héritage de Marie-Hélène Rebois
Daphnie Production, Arte France, 2012, 56 minutes, France
En présence de la réalisatrice
Soirée organisée avec le soutien de BNP Paribas
Voyage dans le temps et l’espace de l’œuvre chorégraphique de Merce Cunningham, reconnu dans le monde entier comme le plus grand chorégraphe américain du XXe siècle. Avec la dernière tournée puis la dissolution de sa compagnie, deux ans après sa mort, s’achève l’une des plus grandes aventures humaines et artistiques du XXe siècle, une aventure qui a révolutionné la danse, une aventure partagée avec les plus grands artistes musiciens et plasticiens de « l’Avant garde américaine ». Se pose alors la question de l’héritage artistique : la danse est éphémère, par essence. Comment peut-elle survivre à la disparition de son créateur et à la fin de sa compagnie ? Danseurs et collaborateurs confrontés à cet ultime défi tentent l’impossible pour le relever, en suivant le Cunningham Legacy Plan qu’ils ont mis au point avec Merce lui-même avant sa mort, avant de se séparer…Conservatoire Paul Dukas – 51 rue Jorge Semprun, 75012 Paris – 19h00
Entrée libre / Réservation : al@localhost
Thank you Mr. Berger.
Rencontre avec Corinna Belz, réalisatrice de films sur l’art – Le mardi 17 mai 2016 au Café Flag à Bastille. Corinna Belz (All) a étudié la philosophie, l’histoire de l’art et des média à Cologne et à Berlin. Elle a réalisé de nombreux documentaires dont Life after Microsoft et Les vitraux de la Cathédrale de Cologne qui a mené, plus récemment, à la réalisation du long métrage Gerhard Richter Painting (2011), devenu documentaire de référence. Depuis lors, elle a reçu une commande d’ARTE pour réaliser une série portant sur différents artistes contemporains auxquels Kasper König, le commissaire d’exposition, ex-professeur à la Städelschule de Francfort, rend visite. C’est par ce biais qu’un contact privilégié s’établira entre la réalisatrice et SensoProjekt (cfr suite). Isabelle de Visscher-Lemaître : Vous êtes à Paris pour la suite de votre collaboration avec le Musée d’art moderne dans le contexte de l’exposition de Paula Modersohn-Becker ? Corinna Belz : Oui, je dois revoir Julia Garimorth, commissaire de cette exposition. J’ai reçu la commande de ce documentaire à propos de cette formidable femme peintre du début du 20e s. Il a pu être financé en majeure partie par ARTE mais également avec le soutien de la Fondation Paula Modersohn-Becker de Brême (All), et du Musée parisien. J’ai beaucoup aimé faire ce film. Je l’ai construit en 4 parties, suivant les 4 séjours parisiens de l’artiste, des moments capitaux dans son processus de création se situant entre 1900 et 1906. J’ai opté pour un format d’image très différent d’un cycle à l’autre, tantôt horizontal, tantôt vertical afin de casser la répétition ou la lassitude que pourraient susciter les images. J’ai cherché des vues de Paris spécifiques à l’époque. Au fond, dans ces années-là, il y avait très peu de voiture dans la rue, quasiment pas. IDVL : J’ai remarqué que vos images du Paris du début du 20e siècle étaient très particulières et ne correspondaient pas à celles qu´on a l´habitude de voir. Ces détails donnent une belle qualité au film. L’on perçoit une précision dans vos choix et votre sensibilité. CB : Je savais aussi que ce film serait projeté à la fin de l’exposition, et qu’il passerait en boucle sur grand écran. J´ai donc été particulièrement attentive au fait qu’il puisse être attrapé au vol à tout moment par le visiteur. C’est pour cela que je l’ai conçu avec un chapitrage précis. Cela permet au spectateur de repérer aisément où il a démarré sa vision du film, et de situer où il en est dans la chronologie du film. Je constate avec bonheur que beaucoup de monde reste au final pour toute la longueur du film, c’est-à-dire que les personnes suivent le déroulé des images et de l’histoire jusqu’à ce qu’elles reconnaissent une image déjà vue, soit celle par laquelle elles ont commencé leur visionnage du film. Cela m’a importé dans la construction du film qui n’en reste pas moins un film pour ARTE et qui peut aussi très bien s’apprécier en étant programmé à une certaine heure. IDVL : Vous avez une autre collaboration avec ARTE. Il s’agit d’une série que vous avez mise en place avec la chaine de TV franco-allemande et dont SensoProjekt a présenté un extrait lors de ses RENCONTRES du film sur l’art : collections et collectionneurs au Centre Wallonie Bruxelles en avril 2016. Comment se passe ce travail ? CB : Je voudrais encore dire ceci au sujet du documentaire à propos de Paula Modersohn-Becker : le film offre une information complémentaire à l’œuvre peinte, il détaille certains pans de la vie de l’artiste, il resitue le contexte pour les visiteurs, et il apporte même sa propre lumière sur l’œuvre. C’est du moins ce que m’a témoigné le Musée de Brême consacré à cette femme peintre. Ils estiment que mon film constitue un apport à leur connaissance. C’était un immense compliment. Et il est entré dans leurs archives. Au sujet d’ARTE, ce n’est pas facile car la chaîne de TV a des prérogatives très strictes en terme de diffusion et de public. Mais au final, on s’est entendu sur l’idée d’une série avec la participation de Kasper König qui visite des ateliers d’artistes. Celui-ci avait pensé donner le titre suivant à l’émission : Kasper König’s address book ! Mais il n’a pas été retenu et c’est devenu Rendez-vous chez les artistes avec Kaspar König (Ateliergespräche – Mit Kasper König) ce qui est tout aussi bien. Nous avons commencé par la visite à l’atelier de Niele Toroni (l’extrait que vous avez présenté au CWB) et celle à l’atelier de Sophie Calle. Dans l’un et l’autre cas, l’atelier est également leur habitation – des lieux au format très différent pour chaque artiste. Kasper König était bien sûr très à l’aise avec Toroni qu’il connaît depuis longtemps. Il avait moins de relation avec Sophie Calle. Mais il s’est volontiers prêté au jeu, et l’apport par Sophie Calle du rapport à sa mère a permis de tisser un fil. Après avoir tourné les images à l’atelier, je joins un bref historique sur l’artiste, ses œuvres et ses expositions, puis je monte tout cela. Mais il faut surtout garder à l’esprit que je ne dispose que de 29 minutes pour deux artistes. C’est un temps très court. Et il faut être efficace ! IDVL : Vous avez obtenu des réflexions formidables de Kasper König à propos de Toroni se référant à la devise française « liberté, égalité, fraternité » quant à son œuvre, ou l’énonciation de mots très chargés sur sa pièce pérenne au Musée d’art moderne de la ville de Paris que vous revisitez avec lui et Françoise Billarant. Toroni lui-même se livre beaucoup sur sa philosophie de la vie, sur la gestion de son œuvre, notamment après sa mort et ce, avec humour ! L’on perce un peu du secret de ces artistes en entrant pour un court moment dans leur atelier, n’est-ce pas ? CB : Le film sur l’art doit, selon moi, remplir deux fonctions : offrir une certaine critique de l’œuvre ou tout au moins une vue particulière sur cet art non académique, et permettre d’entrer dans l’atelier de l’artiste. C’est très important. C’est rarement possible pour la grande majorité des personnes, et même pour le collectionneur ou pour l’amateur éclairé. Cette percée que je fais avec ma caméra dans l’atelier me semble capitale au sujet de ce que le film sur l’art peut apporter. IDVL : Quels sont les artistes que vous avez filmés pour ARTE dans ce contexte ? CB : J’ai filmé Claes Oldenburg et Nicole Eisenman à New York. J’ai filmé Peter Fischli et Roman Signer à Zurich, et puis Monica Bonvicini et Ayse Erkmen à Berlin. Au fond, à ce stade, nous avons filmé un duo d’artistes dans chacune de ces grandes villes. IDVL : Le très beau documentaire de long métrage que vous avez tourné avec et sur Gerhard Richter il y a 6 ans, a-t-il provoqué un tournant dans votre pratique filmique ? CB : Absolument. Je travaillais à la télévision allemande quand en 2005, j’ai eu l’idée de faire un reportage sur la commande faite à Gerhard Richter de nouveaux vitraux pour la Cathédrale de Cologne. J’ai suivi son travail de très près à cette occasion. Puis j’ai évoqué avec lui l’idée de réaliser un film plus extensif sur son œuvre et sur son processus de création. Il n’a pas dit non. J’ai commencé à le filmer dans son atelier à partir de 2009. Le film a été terminé en 2011. J’ai eu accès à son atelier de nombreuses fois, j’y ai passé de longs et magnifiques moments. Gerhard Richter s’est donné à fond au projet. Car quand il a décidé quelque chose, il s’y consacre pleinement. Nous avons eu des échanges extraordinaires. Je l’ai suivi dans l’exécution de nombreux tableaux. Je n’en ai retenu que deux pour mon film. Car sa peinture évolue tellement dans son exécution. Elle change souvent de couleurs. On ne la reconnaît plus d’un état à l’autre. Il m’a donc paru difficile, lors du montage, de rendre compte d’une grande quantité d’œuvres à la fois. Il m’a semblé que le spectateur allait se perdre. Et que la vérité du tableau risquait d’en pâtir. IDVL : Ce film a connu un énorme succès, n´est-ce pas ? CB : Il a été projeté dans de nombreux festivals, dans des galeries, des musées ainsi qu´au cinéma. Il est resté neuf semaines au Filmforum à New York. Il a été distribué dans 65 villes aux USA. Il a été apprécié dès les premières projections, à la Galerie Marian Goodman notamment, par des spécialistes tels que Benjamin Buchloh ou Nicolas Serota, comme par un public de non-connaisseurs. Réaliser un documentaire sur l’art qui parle autant aux critiques spécialisés qu’à un vaste public, c’est un véritable challenge. Cette question ne m’a jamais lâchée. Mais on ne sait pas en tournant, montant, coupant etc ce qu’il en sera. C’est à sa sortie que l’on constate si l’on a atteint cet objectif – qui n’est pas le seul en jeu. IDVL : À la suite de cela, comment a évolué votre activité ? CB : Dans la foulée, j’ai encore réalisé ce court documentaire intitulé Ema dans l’escalier, pour la télévision allemande, et ce avec la participation de Benjamin Buchloh, au sujet de la peinture du même titre de Gerhard Richter, datant de 1966. Je suis actuellement entièrement consacrée à la réalisation de films sur l’art ou de films avec des artistes, à titre indépendant. Cette matière s’est beaucoup développée depuis une dizaine d’années. SensoProjekt a eu le flair en commençant sa jolie entreprise il y a 7 ans ! Je suis entre autres en train de réaliser un film avec Hans Peter Feldmann. Il n’était pas question pour lui de figurer devant la caméra en se racontant. Suite à nos nombreux échanges, il a proposé un autre mode de rencontre à son atelier : il écrit plusieurs situations courtes, nous en choisissons une, et il la joue devant moi. Nous avons exclu toute deuxième prise. C’est tourné sur le vif. Au final, ces saynètes devraient construire quelque chose qui reflète tout à fait bien son travail. IDVL : Dans ce cas précis, le film sur l’art flirte avec le film d’art ? On pourrait même se demander qui va signer le film ? CB : Je n’ai pas encore pensé à cette dernière question que vous évoquez. Mais nous allons sûrement trouver une bonne manière de libeller cela avec HPF. C’est vrai que le film sur l’art doit rester ouvert à ce genre de forme et de collaboration différente. Parfois il s’agit de s’associer avec l’artiste, mais sans jamais se confondre avec lui. IDVL : C’est un peu ce que nous avons ressenti lors d’une de nos premières projections à la Maison des Ensembles à Paris en 2011, avec le film De larges détails, sur les traces de Francis Alÿs de Julien Devaux à propos de et avec Francis Alÿs. CB : Cela m’intéresserait de voir ce film que je ne connais pas, pas plus que la série des 9 Evenings que j’ai vu figurer dans votre programme. SensoProjekt semble être très libre dans ce que l’association met à l’affiche. Ça, c’est formidable ! A PROPOS DES FILMS des Rencontres « Collections et Collectionneurs » La Collection qui n’existait pas de Joachim Olender Le Silo à Marine dans le Val d’Oise de Daniel Schick Rendez-vous chez les artistes avec Kaspar König de Corinna Belz Voyage dans ma collection, Antoine de Galbert d’Alyssa VerbizhLa collection qui n’existait pas réalisé par Joachim Olender, Man’s Films, RTBF, CBA, Le Fresnoy, avec l’aide du CCA, Belgique/France, 2014 – 1h33 (distribution : CBA).La collection qui n’existait pas est un long métrage qui présente le collectionneur belge Herman Daled dont une partie de la collection a été récemment acquise par le MoMA. Ce film restitue par bribes et morceaux le parcours du collectionneur depuis les années 1970, et sa visite de l’exposition Quand les attitudes deviennent formes (Bern, 1969) en particulier, ainsi que sa rencontre essentielle avec Marcel Broodthaers. De ses dires, H. Daled considère avant tout avoir eu la chance d’arriver à la croisée des chemins avec cette production d’art minimal et conceptuel exceptionnelle et d’avoir pu «surfé sur la vague» au bon moment. Car cet art est venu à lui au fur et à mesure de rencontres et de soirées informelles. «Simplement, j’ai été disponible, dit-il. C’est là tout mon mérite.» Le collectionneur effacé et connu pour n’avoir jamais rien accroché de ses œuvres dans son lieu de vie, accepte de se révéler quelque peu. D’autres qui le connaissent comme Daniel Buren, Jacques Charlier, Chris Dercon et Dirk Snauwaert entrent en conversation avec lui de sorte que les faits prennent du relief. Une série d’images fixes situent la collection en elle-même. Certaines archives reprises à la TV flamande évoquent les événements du passé – avec Lawrence Wiener, Gilbert & George, etc. Ce film chapitré et dense d’informations, parfois allusives mais pas moins rares, relate une page importante de l’art contemporain n’ayant captivé en son temps qu’une poignée de gens, dont ce collectionneur au profil peu banal. Tandis que cette production artistique exceptionnelle, appartenant encore au cycle des avant-gardes, entre au musée et «fait» histoire.
Note quant au sujet du film : La collection Daled à Bruxelles, s’élevait à environ 800 œuvres d’art dont un tiers fait partie des collections du MoMA depuis 2011. A savoir depuis l’exposition à la Haus der Kunst à Munich en 2010, d’un ensemble de pièces allant de 1966 à 1978. C’est la première fois qu’elles étaient montrées aussi extensivement. A sa visite, Christophe Cherix, conservateur en chef de la section dessins et images imprimées au MoMA, exprime immédiatement son enthousiasme, et l’intérêt capital de voir entrer ces œuvres dans les collections du musée. Glenn D. Lowry, son directeur, expliquera par la suite : «La collection Daled est une des acquisitions les plus importantes de l’histoire du musée, elle remplit des manques de nos collections et approfondit considérablement d’autres parties de celles-ci.» Parmi les artistes collectionnés, l’on retient entre autres : Marcel Broodthaers (80 œuvres), des œuvres historiques de Daniel Buren, Niele Toroni, On Kawara, Dan Graham, James Lee Byars, Sol LeWitt, Vito Acconci, Ian Wilson, Lawrence Wiener, Hanne Darboven … Au sein des travaux de ces artistes, apparaît un certain nombre d’œuvres sur papier dont l’on peut discuter la validité en tant qu’œuvre d’art ou document. L’institution muséale elle-même tergiverse, nous dit Herman Daled. C’est inhérent à cet art conceptuel qui visait amplement à la dématérialisation. L’important, c’est qu’il y ait ces œuvres ainsi que ces archives qui se donnent à voir et rendent compte de démarches esthétiques aussi radicales – dont Daled était solidaire politiquement. Ce film dont on pourrait penser qu’il s’adresse aux «initiés» livre suffisamment d’anecdotes pour s’entende dire au sortir d’une projection : «ça donne envie de revoir une exposition d’art conceptuel» ! Il comporte tant de témoignages, de rencontres et de moments humains – racontés par Herman et Nicole Daled-Vestraeten notamment – qu’on ne peut qu’être sensible ou sensibilisé. S’il nécessite quelque introduction, l’on peut encore citer le fameux Musée Wiertz à Bruxelles, qui comme le Musée Gustave Moreau à Paris, consiste en la demeure et atelier de l’artiste Antoine Wiertz, peintre et sculpteur romantique belge qui a voulu expressément édifié son atelier en musée, établissant cette convention avec l’état belge avant sa mort. Cet artiste-philosophe à l’œuvre monumentale, et fervent défenseur de la démocratie comme de la pédagogie, inspire en effet Marcel Broodthaers dans sa conception du Musée d’art moderne – Département des aigles. Le programme critique de ce dernier (que l’on a pu revoir à la Monnaie de Paris à l’été 2015) que Broodthaers réalisa en divers lieux, de Bruxelles (dans son appartement, rue de la pépinière) à Düsseldorf (à la Kunsthalle), et à différents moments, entre 1968 et 1972, comportait tantôt des cartes postales d’œuvres d’art, tantôt des images d’aigles de toute provenance nous éclairant quant à la nuance qu’il peut y avoir entre la fiction et la réalité – celle de l’œuvre comme celle de l’institution ! Au sujet de J-L Godard, il est fait mention dans ce documentaire, du film qu’il réalise avec Anne-Marie Mieville suite à une commande du MoMA. The Old Place (2000, 49 min) qu’apporte Chris Dercon à Herman Daled et qu’ils visionnent ensemble, permet à Dercon à son tour, d’engager la discussion entre ce qui est légende, et ce qui est réalité. Et d’amener le collectionneur à considérer que grâce à son entrée au musée, sa collection est devenue «réelle» car elle se confronte au temps, de même que Godard dans son film, parle de l’art comme d’une conquête du temps. Au final, si ce film soulève autant de questions qu’il donne de réponses, c’est plutôt une qualité ! A propos du réalisateur, Joachim Olender : Joachim Olender (1980, B) a étudié le droit et le cinéma à l’Université Libre de Bruxelles et s’intéresse aux récits troués. Il voyage entre le cinéma, la mise en scène et l’écriture, préoccupé par la fabrication et la reconstitution d’une archive fictionnelle. Récemment, il a présenté les premiers fragments d’une archive virtuelle du massacre d’UTØYA au Centre Pompidou (d’abord réalisé en performance multimédia dans le cadre du Festival Hors Pistes). Actuellement, il achève un remake en 3D de Film de Beckett ainsi que son prochain film Le Chêne de Goethe sur l’image impossible. Il poursuit aussi sa thèse entre Paris 8 et Le Fresnoy.Le Silo à Marine dans le Val d’Oise extrait de la série AUX ARTS CITOYENS III, documentaire écrit et réalisé par Daniel Schick, Cinétévé (Fabienne Servan Schreiber et Laurence Miller) avec la participation de France Télévisions, musique originale de Pascal Auberson, avril 2012 – 12 min. Le Silo à Marine dans le Val d’Oise est un ancien silo à grain transformé en lieu d’exposition par Jean-Philippe et Françoise Billarant, couple de collectionneurs renommés dont l’intérêt s’est concentré sur l’art minimal et conceptuel. L’artiste Daniel Buren (invité du Grand Palais dans le cadre de Monumenta 2012, lors du tournage de ce petit film) et les propriétaires présentent ce lieu insolite et privé mais ouvert au public (sur demande). Catherine Lukas, voisine du bâtiment et Yves Guillaume, fils du dernier directeur de ce grenier à grains, à l’architecture symétrique et sobre, dévoilent à leur tour les œuvres qui les touchent ou les déroutent. Ce court documentaire ludique et joyeux esquisse la taille de l’entreprise menée par les collectionneurs et donne le ton à la fois humain et attentif de leur initiative. Il s’insère dans une suite parcourant d’autres lieux (Centre historique minier de Lewarde, Musée des Beaux-arts de Caen et le Musée Paul Valéry de Sète) – dont nous extrayons ici, ce seul moment concernant le Silo. Note quant au sujet du film : Le Silo, cet ancien lieu de stockage de blé et d’orge construit dans les années 1960 est acquis et transformé par Jean-Philippe et Françoise Billarant en 2009 afin d’y présenter leur collection personnelle d’art contemporain. Situé à environ 60 km de Paris (au Nord de Paris dans le Vexin), il abrite désormais leurs œuvres d’art minimal et conceptuel. Le couple de collectionneurs, à la recherche d’un lieu où conserver et présenter publiquement leur collection, trouve là le bâtiment idéal. Ils le font réaménager par le jeune architecte, Xavier Prédine-Hug, en lui conservant son ossature originale. A ce jour, ils en sont à leur 3ème accrochage de sorte qu’à terme, toutes les œuvres soient montrées, en rotation, et que les visiteurs puissent les apprécier dans les meilleures conditions. Cette initiative est assez unique en son genre sur le territoire français. Les Billarant ne cachent pas avoir pour modèle, l’entreprise bien connue aux USA du DIA Art Foundation, collection et soutien à la création initialement lancés par la famille de Menil à la fin des années 1940, et aujourd’hui principalement localisée à Beacon (Hudson River) dans une ancienne fabrique d’impression sur tissu. Les artistes collectionnés par J-P et F. Billarant, tous rencontrés et suivis par eux, sont au nombre d’une cinquantaine, dont je cite: Robert Barry, François Morellet, Michel Verjux, Gottfried Honegger, Lawrence Wiener, Carl Andre, Véronique Joumard, Richard Serra, Donald Judd, Stanley Brown, Philippe Decrauzat, Cécile Bart, Bertrand Lavier, Gunther Umberg, Claude Rutault, Felice Varini, Sol LeWitt, Stanley Brown, Fred Sandback, Peter Downsbrough, On Kawara, Richard Serra, Krijn de Kooning, Charles Sandison, Niele Toroni, Michel Parmentier, Joseph Kosuth, Les readymade appartiennent à tout le monde, Angela Detanico & Rafael Lain, Balthasar Burkhard, Alan Charlton, John McCracken, Ernest T., Dan Flavin, André Morin, Jan Kämmerling, Cela Floyer, Ian Wilson, Claire Morel, Marc Blondeau … A propos du réalisateur, Daniel Schick : Daniel Schick (1959, F) est animateur de radio, interviewer et réalisateur français. Il commence une activité professionnelle à RFI alors qu’il étudie encore le droit. Puis, sur France Musique, puis sur France Inter où il devient producteur et animateur jusqu’en 1996. Enfin, sur Europe 1 où il anime un magazine quotidien d’informations. Parallèlement à ses activités radio, Daniel Schick exerce son talent à la télévision dont Maman va adorer sur TF1, Culture et dépendances sur France 3 etc. Plus récemment, entre 2010, et 2013 Daniel Schick, imagine les films Aux arts citoyens dans lesquels des «arts-moureux anonymes» font découvrir des musées inattendus intimement liés au territoire où ils sont implantés. Ensuite, c’est Courbet et Rodin qui retiendront son attention. En ce moment, il tourne un nouveau film, histoires de baisers dans l’art et histoires intimes de baisers.Rendez-vous chez les artistes avec Kaspar König : Niele Toroni, extrait de la série documentaire STUDIOTALKS WITH KASPER KONIG réalisée par Corinna Belz, ARTE, Allemagne – France, janvier 2016 – 15 min., VO stfr Rendez-vous chez les artistes avec Kaspar König : Niele Toroni présente la visite très informelle du commissaire d’exposition allemand Kasper König à l’artiste italien, basé à Paris depuis 1959, Niele Toroni. La rencontre, ou plutôt les retrouvailles, se déroulent à l’atelier-appartement de l’artiste. L’échange est impromptu, et en cela, sensible, instructif et accessible. Entrecoupé d’images d’archives, ce court documentaire relate de précieuses réflexions spontanées de personnalités compétentes et enthousiastes, grâce à quoi l’on saisit la portée de l’œuvre plastique des «empreintes», leur variété malgré la répétition et la qualité de ce travail de peinture singulier. Une série d’images sont aussi tournées au Silo où sont accrochées plusieurs œuvres de Toroni (très tôt acquises par les Billarant), et en sa présence. Ce documentaire se compose à l’origine de deux parties, la seconde présentant la rencontre entre Kasper König et Sophie Calle – non montrée, notre objectif ici visant à étendre notre compréhension de la collection des Billarant. Il entame aussi une série qu’ARTE a confiée à Corinna Belz, réalisatrice notamment du remarquable long film Gerhard Richter Painting (2011). A propos de la réalisatrice, Corinna Belz: Corinna Belz (All) a étudié la philosophie, l’histoire de l’art et des média à Cologne et à Berlin. Elle a réalisé de nombreux documentaires dont Life after Microsoft et Les vitraux de la Cathédrale de Cologne et dernièrement le long métrage passé en salle de cinéma, Gerhard Richter Painting (2011). Elle a depuis lors reçu une commande d’ARTE pour réaliser une série portant sur différents artistes auxquels le commissaire d’exposition, ex-professeur à la Städelschule de Francfort, et fondateur de l’espace Portikus, Kasper König rend visite.Voyage dans ma collection, Antoine de Galbert réalisé par Alyssa Verbizh, Terra-Luna Films, avec la participation de Cinaps TV, Vosges Télévisions et le CNC, France, 2014 – 52 min.Voyage dans ma collection, Antoine de Galbert est un moyen métrage tourné à l’occasion de l’exposition du même nom, qui montrait une collection, celle d’Antoine de Galbert, à La maison rouge durant l’été 2014. Filmer un large pan de la collection de Galbert, telle qu’il l’expose lors du 10ème anniversaire de sa Fondation, était le programme du tournage rendant compte du montage de l’exposition, et en amont, du décrochage des œuvres venant des lieux privés d’habitation du collectionneur, ce qui permet d’en raconter l’histoire «intime». Surtout il importait de restituer le parti pris intransigeant qu’avait adopté Antoine de Galbert d’exposer tout ce qu’il possède «qui s’accroche au mur» (de peinture ou de bidimensionnel, à quelques exceptions près) côte à côte sur 200 mètres linéaire, sans tenir compte des styles, des époques, des techniques. A la place, il est fait usage d’un logiciel ayant enregistré les tailles et les numéros d’inventaires des œuvres à partir de quoi les pièces sont ordonnées selon ce qu’on pourrait appeler une «organisation établie». L’informaticien à l’ouvrage est interviewé. Le film nous documente ainsi sur cette règle aléatoire et originale qui a été prise, et nous montre du fait même, au travers d’un prisme organisé, l’ampleur de cette vaste collection à première vue, très hétérogène tant elle couvre une cartographie importante, des périodes étendues et des styles variés. Que l’ordre qui prévaut a priori à cette collection soit fondamentalement celui que lui a donné le collectionneur au gré de ses rencontres et de ses achats, c’est un fait. Mais que celui-ci soit neutralisé au bénéfice de faire parler les œuvres à chacun(e) par elles-mêmes et selon une approche personnelle (hormis les valeurs et les courants artistiques), c’est sans doute pour partie le vœu du collectionneur, et pour autre partie, l’accomplissement du film qui donne un appréciable recul à cet ensemble de 1.200 œuvres d’art soumises à l’arbitraire – ou à l’envers du processus de hasard.
Note quant au sujet du film : Cette collection, Antoine de Galbert l’entame dès son jeune âge. Après avoir mené une activité professionnelle dans le monde industriel et tenu une galerie à Grenoble, il s’investit corps et âme dans un projet de longue haleine, celui de créer une fondation à Paris qui se consacre à montrer l’art moderne et contemporain sous toutes ses formes, art brut compris, et émanant en particulier de collections privées. La maison rouge ouvre ses portes en 2004 avec une première exposition dont il est co-commissaire avec Paula Aisemberg, son administratrice et Gérard Wajcman, le psychanalyste et auteur du livre Collection (éd. Noos, 1999). Elle montrera la reconstitution de différentes pièces d’habitation privée d’une série de collectionneurs avec leurs œuvres. A cette occasion et assez discrètement, c’est son corridor d’entrée que montre de Galbert. L’on y voit une photo de Bernd & Hilla Becher, un collage de K. Schwitters, … Ceci reflète déjà en soi la multiplicité des choix faits selon l’univers mental de ce collectionneur curieux, mélancolique sans doute, et insatiable, qui achète beaucoup d’artistes inconnus. L’on peut tout de même citer, parmi les quelques 2.000 pièces sans doute, toutes techniques confondues qui composent l’ensemble (en évolution), la présence de Jan Fabre, Hans Bellmer, Gilbert & George, Ed. Muybridge, Christian Boltanski, Paola Pivi, François Morellet, l’indienne Hena Upadyay, le jeune Marcel Dzama, les photos d’Arnulf Rainer, Dieter Appelt, Natacha Lesueur, Luc Delahaye, Eric Corne, Erwin Wurm, Henry Darger, ainsi que de nombreuses coiffes africaines ou océaniennes. Pas de Buren par contre, dit de Galbert en souriant. Néanmoins, la liste est longue et infinie. Ouverte sur le monde et centrée sur la qualité visuelle immédiate de l’objet, la collection est sensible, foncièrement anti-spéculatrice, et parfois curieusement iconoclaste. A propos de la réalisatrice, Alyssa Verbizh : Alyssa Verbizh (1978, Aut) a fait des études de lettres, d’allemand et de cinéma. Elle est auteure de nouvelles et d’histoires pour enfant, et réalisatrice de documentaires. En 2002, avec sa sœur Myrha, elles ont réalisé Bouroullec et Bouroullec, un film documentaire diffusé sur France 2 et France 5. Elle poursuivra par la réalisation de courts portraits d’artistes commandés par Suzanne Pagé (Musée d’art moderne de la ville de Paris), mais aussi la Fondation Vuitton et le MacVal. Elle participe à l’émission L’art et la manière lancée par ARTE en 2005 – avec des documentaires sur Mona Hatoum, Vincent Lamouroux, Thomas Hirschhorn, Adel Abidin notamment. L’on retient aussi son premier film à propos de La maison rouge, Le collectionneur derrière la porte tourné en 2004. Fiction expérimentale de Pierre Coulibeuf basée sur les performances et le Journal de nuit de Jan Fabre Portrait fictif de l’artiste flamand Jan Fabre. Le film, conte de fées moderne, projette Jan Fabre dans son propre imaginaire et compose un personnage qui change sans cesse d’identité. Jan Fabre joue de multiples rôles sous les déguisements les plus variés ; derrière un masque, toujours un autre masque … Le personnage féminin, tel un « démon du passage » empruntant différents visages, hante le personnage masculin et inspire ses métamorphoses, ad infinitum. Les concepts de l’œuvre sont la répétition, le simulacre et la métamorphose, dans un rapport essentiel aussi bien avec l’œuvre de Fabre qu’avec la mienne. La métamorphose, c’est ici le passage d’une forme à une autre, d’un état intensif à un autre, d’une identité à une autre, d’un univers à un autre : le film comme « transposition » – la forme « performance » se change en forme cinématographique –, le film comme création nouvelle. Doctor Fabre Will Cure You ne donne pas une copie des performances de Jan Fabre, il propose plutôt une approche imaginaire, mentale, c’est-à-dire une réinterprétation des performances devenues ici « actions » au sens du cinéma. Dans le film, la performance et l’artiste Jan Fabre changent de statut : la performance est jouée par l’ « acteur » Fabre, elle n’existe plus sous forme de traces, de signes obscurs, de bribes de souvenirs, qui habitent Fabre devenu personnage multiple dans un récit filmique original. « L’existence simule, elle dissimule, et elle dissimule que, même dissimulant et jouant un rôle, elle continue d’être l’existence authentique, liant ainsi, par une malice presque indémêlable, le simulacre à la véritable authenticité. » (Maurice Blanchot). (PC). Notes au sujet du film: Le titre du film Doctor Fabre Will Cure You (Docteur Fabre va vous guérir) se réfère à une performance de Jan Fabre au début des années 1980 où il présente la beauté comme ayant un pouvoir placébo sur la société. Toujours intuitif, instinctif et expérimentateur, ce personnage intéresse Pierre Coulibeuf depuis longtemps. En 2002, celui-ci est l’auteur du film Les Guerriers de la beauté qui s’élabore à partir de l’œuvre théâtrale de Jan Fabre. Ici, Coulibeuf mêle avec brio les apparences quasi fantomatiques et le caractère mythologique du personnage, à une vérité peut-être encore plus exacte que la justesse de façade qu’on pourrait espérer tirer d’un portrait filmé. Car l’existence même noue avec cette double combinaison – du simulacre et de l’authentique. A faire rejouer Jan Fabre d’anciennes performances, Coulibeuf sait qu’il va en émerger une énième, celle du film. C’est pourquoi l’on n’a pas affaire ici à un documentaire, mais à une magnifique frise cinématographique tissant une figure à la charnière de différents mondes. Et ce, sur toile de fond associant le Surréalisme aux Primitifs flamands, dans le décor de la ville natale et hautement symbolique de Fabre, qu’est Anvers.Cinéaste et plasticien, Pierre Coulibeuf (France, 1949) développe un projet transdisciplinaire : il réalise des fictions expérimentales qui investissent savamment le champ de l’art, et où les changements d’identité affectent les univers et les artistes qui inspirent ses œuvres. Ses films sont présentés aussi bien dans le réseau du cinéma que, recomposés, sous forme d’installations (vidéo-photo) dans celui de l’art contemporain. Ses œuvres font partie d’importantes collections en France et à l’étranger. Les principaux concepts de ses œuvres sont le dédoublement, le simulacre, la métamorphose, le labyrinthe, la réalité comme fiction ou projection mentale. Coulibeuf a eu des expositions personnelles dans le monde entier. En 2013, il est nominé au Prix Art China, dans la catégorie des artistes étrangers les plus influents en Chine (avec Andy Warhol, Marcel Duchamp, Araki, Shirin Neshat). Parmi les œuvres marquantes qu’a réalisé Pierre Coulibeuf, citons Klossowski, peintre-exorciste (1988), Le Démon du passage (1995), L’Homme noir (1998), Balkan Baroque (1999), Les Guerriers de la beauté (2002), Somewhere in between (2004), Dédale (2009). Jan Fabre (Belgique, 1958) est à la fois dessinateur, sculpteur, performer, chorégraphe et metteur en scène de théâtre. Artiste reçu dans le monde entier, il participe tant à la Biennale de Venise qu’à la Documenta, et montre son travail de plasticien dans de nombreux musées internationaux. Citons son exposition à la Fondation Miro à Barcelone (2003), ou ses œuvres permanentes au Stedelijk Museum d’Amsterdam, ou à la Kunstverein de Hanovre. L’on retient aussi l’importante intervention qu’il eut au Louvre en 2008, Jan Fabre, l’Ange de la métamorphose, où il exposa ses œuvres mais procéda aussi au ré-accrochage d’une partie des collections. Il a surtout marqué les esprits avec ses œuvres aux nombreux scarabées, ou ses œuvres dessinées au Bic (stylo-bille bleu). A Paris, c’est la galerie Templon qui le représente. En théâtre et danse mêlés, il est l’auteur d’impressionnants spectacles dont : De macht der theaterlijke dwaasheden (Le Pouvoir des folies théâtrales) (1984), Je suis sang (conte de fées médiéval) (2001), Another Sleepy Dusty Delta Day (2008), ou L’Orgie de la tolérance (2009). En 2005, Jan Fabre est artiste invité au Festival d’Avignon. Son dernier spectacle, Mount Olympus (2015), est une performance de 24 heures pour 27 acteurs, performers et danseurs.Petite narration à propos d’un film sur le Pop Art et ses extensions anglaises, françaises, allemandes et belges et augmenté d’un commentaire de Magritte et Duchamp !
Jean Antoine, important réalisateur belge pour la RTBF, adore rencontrer les artistes dans leur atelier. Il a 30 ans à peine quand il pousse la porte des Lichtenstein, Rosenquist, Warhol et autres. Eux aussi ! En 1964, la Radio Télévision Belge Francophone lui commande un reportage sur le Pop Art américain naissant. L’émission s’intitulera Métamorphoses : Dieu est-il pop ? Elle durera plus de 70 min. Au final, un peu daté, ce documentaire tombe aux oubliettes. En 2000 par contre, à l’occasion de l’exposition Les Années pop au Centre Pompidou (2001), le formidable producteur et réalisateur Pierre-André Boutang, alors rédacteur en chef du magazine culturel Métropolis pour ARTE, s’adresse à Jean Antoine pour couvrir le sujet. Celui-ci coupe dans les plans de son tournage du début des années 60 (en n/bl) et garde le meilleur. Afin de brosser ces années pop en Europe, il joint une série d’images filmées entre 1967 et 68 (et tournées en couleur, cette fois) qui incluent le pop art anglais, les nouveaux réalistes et quelques figures belges et allemandes. Il place quelques voix off. Il procède à un nouveau montage. Cela donne lieu à 30 min. d’images et de témoignages d’une grande fraicheur, candides parfois, sagaces et clairvoyants beaucoup. Très parlant sur l’époque surtout. Voilà ce que peut produire la télévision, quitte à faire un peu le ménage ! (suite…)